作為靜態影像兩大關鍵,攝影和設計之間存在著千絲萬縷聯繫,尤其在商業視覺案件中,更必須緊密配合。這次我們有機會邀請到知名商業攝影師邵亭魁和設計師方序中,聊聊兩人在唱片視覺製作及合作上的一些見解和經驗。

Q:如何看待各自與對方在一個商業影像視覺設計案中的角色定位?

邵:在一個Concept裡面,客戶、攝影師、設計師都可以參與討論,用電影來比喻,攝影師在裡面扮演的就是攝影的角色,有的可能會兼一部分導演,最重要的工作就是在現場和藝人互動,捕捉他們的神韻、把客戶想要表達的東西拍出來。而設計更接近剪接的工作,剪接出最好的片段,呈現出最主要的Image,透過編排來更好地說故事。

拍電影和剪接一樣重要,因為拍攝是第一次創作,剪接是第二次創作,攝影師哪邊拍得特別好,需要設計師特別將它表達出來;哪邊拍得不夠好,設計師將它補足。也正因為攝影是第一步,必須要很快地判斷客戶所想的可不可行,設計畢竟要做二次創作,也會去想這樣的東西到底好不好看,如果第一步攝影師無法先最快地理解,之後倒楣的會是設計。

我覺得拍攝時不管是視覺設計還是造型等任何一個環節,都必須是很密切的結合,所以我們設計也只是其中一個步驟,而每個環節在執行的時候,都會有當下討論的互動,比如說,小邵哥在拍攝之前先想到了某種畫面,我會把它記起來,在拍攝期間,也許又會有一些新的想法或火花產生,都可以成為我的設計規畫的新靈感,而最後呈現出來的作品,是一個大家共同完成的結果。如果在某一個環節中過於主觀地去掌控所東西的時候,它可能會有太多的藝術成分。

我也常覺得自己是一個配角,主角是前面的音樂人等有需求的對象,而我們設計就是通過自身能力,讓他們想要的東西變得更美好。在每一次的案子裡面,我或多或少會釋放個人特質,但永遠不會搶過主角。除非是在自己的個人創作中,我才會完全做出自己的主觀感受。

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Q:在商業視覺的案子中,兩位理想中的配合模式是?

就像前面有提到的一些,在案子裡面過程非常重要,當大家被湊在一起,討論和共同發想其實才是每個案子最重要的時候。我們會儘量在合作中增加共同發想的機會,比如說一起找資料、話題等,甚至我個人在每次和小邵哥合作時會儘量到現場。最近這幾年,大家在增加溝通、互動這方面比較有進步,也讓我們覺得工作起來比較有趣。或許是因為近幾年台灣開始重視一些唱片設計獎項的部分,唱片公司認為它能為專輯或歌手加分,所以願意花多一點的時間和人力在這上面。

理想的狀況下,我們大概會討論一到兩次吧,剛剛Joe提到攝影和設計完全分開的狀況,其實現在還是會遇到,但如果客戶的要求只有「帥」跟「美」,感覺像在拍「素材」的話,分開執行似乎也無關緊要。

Q:能否與我們談談在應對客戶的部分,有沒有什麼常用的方法?

很多方法,主要還是看客戶性質,比較熟的話,就可以單刀直入地講。

雖然說多少還是會透過Reference溝通,但我自己是覺得它很微妙。因為客戶看Reference的時候,不像我們有經過影像蒐集的訓練,會覺得看到什麼出來的東西應該長成這樣,如果不全然是那樣時,他就會希望我們改成和Reference一樣,這對我們來說是一個很大的困擾。所以如果有足夠的時間和資料時,我用手繪加文字的方式製作Reference。而這其實也是給客戶的一種訓練,讓他們知道成品相對Reference來說是會有一些進化和調整的,應該要給我們這樣的空間。

就我最常遇到的問題是,客戶經常會根據自己的經驗,提出四五個他們覺得不錯的Reference,這的確多少會讓設計師有個具體的參考,但也會讓你跳不出那個流行的框架。我有時會和他們溝通說:「如果我們能夠當別人的Reference,這樣不是更好?」

講到Reference,我從入行以來一直覺得這是一件很痛苦的事情,心裡常常抗拒,但又不得不妥協。而且現在更痛苦的狀況是,好像久了也變習慣了。無奈客戶老闆的想像力有限,就是要看到具體的東西。可是如果我找到很好的Reference,卻又可能出現若我拍得不那麼像,客戶又會不滿意的狀況。久而久之,自己多少會被Reference影響,默默地就拍得很像。對我來說就變得很不好玩,因為怎麼拍都不會比別人好,腦袋也變成用一種「邏輯」思考,而不是感性,創意也出不來。關於Joe提到的手繪Reference的方式,我也有嘗試過,只是客戶一般不會接受,因為他們想像不出來。

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Q:所以在合作工作中,有發生過什麼令你們印象深刻的事嗎?

我可以分享一個我們共同的經驗。那次客戶在拍攝風格、最終呈現方式等方面,都跟我們有非常好的共識,甚至是主視覺畫面的選擇也一樣,讓我們覺得這次一定能突破目前市場上大家對這位歌手的印象。在客戶、藝人、經紀公司與我們都OK的狀況下準備發表了,誰知道後來卻有歌迷反應說「看不到臉」、「姿勢不夠帥」,讓我們很傻眼。而且最後居然因為這樣換了主視覺,讓我們很受傷,當時也引起一陣話題。

這件事情我印象太深刻了,當時真的難過很久,這就像是我們是一群突擊隊,被派去執行一個超級艱難,但成功會很屌的任務。但當我們攻下那座山頭的時候發現,我們被背叛了!後面沒有援軍過來,只好等在那個山頭,活活被殲滅的感覺。我們都很想讓整個音樂產業有些改變,因為唱片公司每次發片的時候都愛強調音樂上的突破,這的確不錯。但我覺得,既然要這樣講,就不能再只賣偶像的臉,要有所改變,把整張唱片的視覺推向那個方向。

可是,就因為幾個無名粉絲的留言,竟然就可以改變唱片公司的初衷跟想法,讓我們很傻眼。而且我知道真正的內幕不只是這樣,反而是唱片公司想要利用歌迷的反應,反過來炒作話題,這是讓我更加難過的部分。

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Q:當前大家會覺得唱片業銷量有明顯下滑,願意花錢買唱片的人越來越少,這現象對於兩位的工作上會有什麼樣的影響?

我覺得影響是有,但在我看來,這也許是一件好事。因為在當初唱片很熱的時候,唱片公司會比較專注在拚銷量,做法也比較極端,想要透過包裝、宣傳、炒作等方式增加銷量。現在的狀況,也許可以讓他們冷靜一下,去想想在現在這個環境下,音樂這件事還能用什麼樣的方式去感動人,也許可以回歸到一個比較原始的狀態。

我覺得其實音樂沒有變,它的能量還是非常大,而且平台和軟體也變的很多。唱片變少了,它可能是轉換到數位或演唱會,甚至周邊上面,它只是換了一種形式,而這些東西跟我們都還是很有關係,比如演唱會的視覺、周邊商品等,都還是需要設計、攝影去讓一些畫面產生。所以,對我們來說,並不是說唱片賣得不好,就是音樂市場不行。

Q:那兩位如何看待唱片封面和銷售量之間的關係?

如果真的我很喜歡這張唱片的音樂,我不會受它的封面的影響而決定要不要購買,反而可能因為某一張唱片的封面長得很好看而去買。如果我本來就超喜歡他的歌,就算他唱片封面是一張白紙,我也一樣會買啊!

小邵哥講到一個重點,這也是我現在常常在跟客戶溝通的部分。比如說,現在知道有100個人一定會買這張專輯,且不管你用什麼包裝,他們都一定會買。當你在做這個新作品的時候,你一定希望不只這100人會買,所以說如果在某部分,像攝影、設計上多用點心的話,就有可能多吸引到50人,那它的消費族群就會擴大。下一次發片,我們可能又做了不一樣的東西,大家會覺得這個人的音樂好聽、專輯包裝又好看,從而會影響更多的人,一次一次,效益就會不斷擴大。而不是說,每一次我都只想著要服務這100個人。

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Q:現在不少攝影師會談到國內環境對於攝影的專業還是不夠尊重,兩位怎麼看?

數位化之後降低了攝影的門檻,以前市場上可能有50個攝影師,都是經過長期努力訓練的,現在可能就有500個甚至5000個,這樣的人現在太多了。同樣的要求,以前可能50個人會拍,現在可能有5000個人可以拍,很難說要大眾怎麼去重視這個專業。當然,如果你的工作態度、美感、風格很獨特,還是會被人家看見。

之前有跟小邵哥聊到,關於國內攝影和設計的教育和環境分眾,還是存在很大的問題。從教育來說,國外有攝影科系、電影系等完整的教育體系,讓學生學成出來後,能有很棒的能力甚至是地位。反觀台灣,似乎大多都是統括,常常讓大眾認為像攝影就是拍照這樣。比如這幾年金曲獎多了專輯設計這個獎項,但老實講,如果真心要肯定專輯設計的部分,應該要有「最佳專輯攝影」、「最佳專輯造型」等,就像葛萊美一樣,每件事情都有專業劃分,而不是只有「專輯設計」獎概括一切,畢竟一張唱片包裝設計,並不完全是設計一人的功勞,牽扯到許多其他專業,而他們也都需要被肯定。

應該說主辦單位應該要真正了解這些產業,才會知道什麼是需要的,再去改進。不然他們永遠都在用舊的思維在做事。

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Q:對於給未來想入行的後輩們,有什麼樣的意見?

我給的建議就是要大膽,在每個不同的階段,都要自己去衝撞出適合自己的風格,不管是工作的方式,還是對影像風格的挑選,要走什麼路線之類的,都要大膽去嘗試。在這個年代,如果不夠大膽,不會被看見。但會越來越難啦,因為大家都越來越大膽,就拿拍裸體來說好了,以前只有幾個人敢拍,現在一堆,大家都很敢脫,沒什麼顧忌。只是不是所有人都會紅,而且就算紅起來,如果沒有新的作品出來,很快就會被新的流行蓋過。

當然某些類型或風格會紅,其實都有它的社會脈絡存在,這個脈絡不是你可以抓得到的,跟整個社會的思維潮流有關,當社會思潮到了這裡,而你又正好有這個東西時,它自然會被看見。

我覺得設計師要的一種浪漫,要能夠用自己的方式說出自己的浪漫。當大家都在做一樣的事情時,那就感受不到浪漫,而會感受到一種力量,但是浪漫和力量都是需要的。像我認為社會和科技不斷地在進步的原因,就是因為浪漫。就像世界上很多重大的發明或文明的發現,最初會是因為一些故事小說、電影的啟發。正是因為這些創作者,他們賦予很多東西詩意和天馬行空的畫面,讓會做研究的科學家受到刺激,從而去研究發明這樣的東西。所以我覺得要適度表現出浪漫,那才會轉變成力量。

文:LUCY WU

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